Оперный театр

Материал из Юнциклопедии
Перейти к: навигация, поиск

Оперный театр объединяет музыку, драматическое, актерское и изобразительное искусство в одно многокрасочное целое. Главное в опере — музыка, и поэтому ее автором является композитор. В сценическом действии оперы участвуют певцы-солисты и хор; их пение сопровождается звучанием оркестра. Подобно тому как оркестром управляет дирижер, игрой актёров-певцов руководит режиссер-постановщик, понимающий специфику музыкального театра. Композитор (в большинстве случаев) сочиняет музыку на готовое либретто (текст оперы) или пишег его сам. В оформлении спектакля участвуют художники-декораторы и костюмеры. Нередко в оперу вводятся балетные фрагменты.

В зависимости от сюжета и его осмысления композитором различают трагическую, комическую, драматическую, лирическую, эпическую оперы и их разновидности. Характеры действующих лиц, их внутренний мир раскрываются в ариях, которые соответствуют монологам в драматическом спектакле. Так, музыка арии князя Игоря из оперы А. П. Бородина «Князь Игорь» создает многогранный целостный портрет героя, томящегося в половецком плену. В ней выражена скорбь о гибели войска, и жажда освобождения Родины, и любовь к Ярославне. Драматические сцены, духовные поединки героев часто передаются в дуэтах, трио, квартетах и других музыкальных ансамблях. Мысли и чувства больших людских масс выражает хор. Перечисленные формы образуют музыкальную «сердцевину» оперы: в их основе лежит выразительная, запоминающаяся мелодия. Но наряду с этим пение может приближаться и к человеческой речи — так возникает речитатив, гибко реагирующий на малейшие изменения эмоциональных состояний.

Перед началом спектакля (еще до поднятия занавеса) оркестр исполняет увертюру или более короткое вступление, они раскрывают слушателю характер оперы. Стремительный темп увертюры В. А. Моцарта к «Свадьбе Фигаро» прекрасно передает атмосферу «безумного дня», а вступление к «Снегурочке» Н. А. Римского-Корсакова рисует картину сказочного зимнего леса. Иногда композиторы пишут оркестровые вступления и к отдельным действиям (симфонические антракты). В оркестре, как и в вокальной партии, могут звучать лейтмотивы — музыкальные темы, воплощающие тот или иной образ.

Представления, с музыкой и пением были известны с давних времен (древнегреческая трагедия, средневековые мистерии, различные формы народного театра). Но оперная, музыкальная драматургия возникла тогда, когда сама музыка стала самостоятельным (не прикладным) искусством и смогла подчинить себе его другие виды. Первые оперы («Дафна», «Эвридика») были созданы в конце XVI в. во Флоренции. Их авторы — музыканты Я. Пери, Дж. Каччини, поэт О. Ринуччини — стремились подражать древнегреческой трагедии, ее нерасторжимому единству слова и музыки. Крупнейшим новатором, открывшим широчайшие перспективы развития оперного театра и нового музыкального стиля (основанного на выразительном пении с инструментальным сопровождением), был итальянский композитор К. Монтеверди (среди его опер — «Орфей», «Коронация Поппеи»). В первой половине XVII в. открываются оперные театры в Риме, Венеции, а затем в Неаполе. В творчестве А. Скарлатти, создавшего более 100 опер, закрепляются основные принципы оперы-сериа (серьёзной оперы), действующими лицами которой были герои античной мифологии или истории. Итальянская опера постепенно вошла в культуру всех европейских стран; к опере-сериа обращались композиторы разных национальностей (Г. Ф. Гендель, В. А. Моцарт).

В XVIII в. завершилось формирование комической оперы — оперы-буффа. Ее истоки — в веселых народных представлениях, в комедии масок. Уже не боги и герои, а обыкновенные, простые люди стали ее главными действующими лицами. И музыка отличается большей простотой, опорой на танцевальные мелодии и ритмы. Среди лучших опер этого жанра — «Свадьба Фигаро» Моцарта и «Севильский цирюльник» Дж. Россини (обе — по комедиям П. Бомарше), до наших дней не утратившие обаяния искренней жизнерадостности и светлой, грациозной лирики.

Вслед за Италией опера возникает в ряде стран Европы. Французская «лирическая трагедия» XVII—XVIII вв. (Ж. Б. Люлли, Ф. Рамо), близкая классицистскому театру П. Корнеля и Ж. Расина (см. Классицизм), отличалась особой пышностью, торжественностью постановки (в ней обязательно участвовал хор, балет). Английская культура дала единственную классическую оперу — «Дидона и Эней» Г. Пёрселла. Вторая половина XVIII в. ознаменовалась рождением комической оперы во Франции («Деревенский колдун» Ж. Ж. Руссо), в Германии (так называемый зингшпиль), России, Польше, Чехии и других странах.

В XVIII в. блестящих высот достигло искусство бельканто (в переводе с итальянского bel canto буквально «прекрасное пение»). Певец-виртуоз стал центральной фигурой спектакля, и нередко опера становилась своеобразным «концертом в костюмах», терялась внутренняя связь ее элементов. Против этого активно выступил австрийский композитор К. В. Глюк. В своих операх «Орфей», «Альцеста», «Ифигения в Авлиде» он стремился прежде всего к единому развитию драматического действия, к воплощению возвышенных этических идей, к правде человеческих чувств.

Новую жизнь вдохнул в оперное искусство Моцарт. Каждого из своих героев он наделяет особым, неповторимым характером, показывает жизнь в ее контрастах, переходя от шутки к глубокой серьезности, от веселья к тонкой поэтической лирике (оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта»).

Опера XIX в. испытывает воздействие нового, романтического мироощущения (см. Романтизм). Оно сказалось в элегической плавности мелодий В. Беллини, в фантастическом, сказочном колорите опер К. М. Вебера («Вольный стрелок», «Оберон») и особенно в музыкальных драмах Р. Вагнера. В своих операх Вагнер стремился к достижению высшего единства музыки и драмы, он брал сюжеты ,из древнегерманских мифов и легенд. Таковы его грандиозная тетралогия «Кольцо нибелунга» (поставленная в специально выстроенном театре в Байрёйте), оперы «Лоэнгрин», «Тристан и Изольда» и др. Особое значение придавал Вагнер оркестру.

Новых высот достигли итальянская и французская оперные школы, обладавшие своими традиционными центрами (театр «Ла Скала» в Милане, «Гранд-Опера» в Париже). Музыкальная драма Дж. Верди — кульминация всей трехсотлетней истории итальянской оперы. Героические хоры из опер молодого Верди (композитор часто брал сюжеты из истории борьбы с иноземными захватчиками) воспринимались итальянцами как призыв к национальному освобождению. В лучших его операх: «Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло» — с огромной эмоциональной силой и правдивостью воссоздается борьба человеческих страстей, драма личности. В столкновении с несправедливым общественным порядком и устоями герои Верди обнаруживают красоту и богатство душевного мира. Оперы Дж. Пуччини, Р. Леонкавалло, П. Масканьи отличаются лиризмом, свежестью музыкального языка, непосредственностью выражения.

Среди мастеров французской оперы выделяются Ш. Гуно (автор «Фауста»), Ж. Массне («Манон») и в особенности Ж. Бизе. В его «Кармен» бьющая ключом жизнь, зажигательные испанские ритмы образуют ярчайший контраст с трагедией главных героев.

В XIX в. возникает ряд «молодых» оперных школ: в Чехии выдвигаются Б. Сметана (среди опер которого — веселая комедия «Проданная невеста») и А. Дворжак, в Польше — С. Монюшко, в Венгрии — Ф. Эркель.

Грандиозные перемены в мироощущении людей XX в. затронули и оперный театр: здесь мы видим огромное разнообразие новых форм. Пародийная «Трехгрошовая опера» Б. Брехта — К. Вейля, экспрессионистская драма австрийского композитора А. Берга («Воццек»), основанная на афро-американском музыкальном фольклоре опера Дж. Гершвина («Порги и Бесс»), формы условного театра И. Ф. Стравинского (опера-оратория «Царь Эдип») и немецкого композитора К. Орфа («Умница») — вот лишь некоторые примеры из современного музыкального театра. Большое место опера занимает в творчестве Р. Штрауса, П. Хиндемита, Д. Мийо, Б. Бриттена и других композиторов. Возникает также рок-опера, соединяющая оперные формы со стилем рок-музыки.

Русская опера появилась в конце XVIII в. Поначалу это была комическая опера («Мельник — колдун, обманщик и сват» М. М. Соколовского, «Скупой» В. А. Пашкевича; оперы Е. И. Фомина, Д. С. Бортнянского). XIX век дал новые жанры — героическую, волшебную, историко-романтическую оперу («Аскольдова могила» А. Н. Верстовского).

Создателем русской оперной классики по праву считается М. И. Глинка. Своего «Ивана Сусанина» он назвал «отечественной героико-трагической оперой». Как сказал критик В. Ф. Одоевский, Глинка здесь «возвысил народный напев до трагедии». Другая опера Глинки — «Руслан и Людмила» (по поэме А. С. Пушкина) — сказочно-эпическое повествование, «преданье старины глубокой».

Младший современник Глинки — А. С. Даргомыжский оперой «Русалка» положил начало жанру лирико-психологической драмы в русской опере. Особенно интересна его последняя опера — «Каменный гость», музыка которой опирается на интонации человеческой речи. Ближайшим последователем Даргомыжского, стремившимся к правдивости интонирования, стал М. П. Мусоргский. Вслед за речитативной оперой «Женитьба» (по одноименной комедии Н. В. Гоголя) появляются высшие достижения композитора — народные музыкальные драмы «Борис Годунов» и «Хованщина». Мусоргского привлекли в них трагические, переломные моменты в жизни русского общества, они проникнуты идеей отражения исторического «прошлого в настоящем».

Традиции Глинки продолжил А. П. Бородин в своей исторической эпопее «Князь Игорь», глубоко проникшей в характер двух народов — русских и половцев, в их прошлое.

Одной из вершин русской оперы XIX в. явилось творчество П. И. Чайковского, создавшего 11 опер. Среди них — психологические драмы «Евгений Онегин», «Пиковая дама».

Пятнадцать опер Римского-Корсакова стали украшением русского музыкального театра. Особенно привлекал композитора жанр оперы-сказки («Снегурочка», «Сказка о царе Салтане», едкая сатира на самодержавие «Золотой петушок»), оперы-былины («Садко»). А в операх «Царская невеста» (по драме Л. А. Мея), «Моцарт и Сальери» (по одноименной трагедии А. С. Пушкина) композитор ставит в центр драму отдельных личностей, их трагическую судьбу.

Интенсивное развитие оперного искусства выдвинуло целую плеяду талантливых артистов, по всей стране открывались новые театры. В конце прошлого столетия в «дополнение» к существующим еще с XVIII в. Большому театру, Мариинскому (ныне Ленинградский театр оперы и балета имени С. М. Кирова) в Москве открылся частный оперный театр С. И. Мамонтова. Он объединил первоклассных музыкантов (там пел выдающийся русский певец Ф. И. Шаляпин, дирижировал С. В. Рахманинов), декорации и костюмы создавались знаменитыми художниками В. А. Серовым, К. А. Коровиным, В. М. Васнецовым, М. А. Врубелем и другими.

Оперные школы складываются у некоторых народов дореволюционной России; их развитие протекало под благотворным влиянием эстетических принципов русской оперной классики. Самобытность, национальный колорит присущи операм С. С. Гулак-Артемовского («Запорожец за Дунаем»), Н. В. Лысенко («Наталка-Полтавка»), М. А. Баланчивадзе («Дареджан коварная»), У. Гаджибекова («Лейли и Меджнун»), А. Т. Тиграняна («Ануш»).

Советские композиторы, опираясь на классические традиции, обогатили оперу новыми темами и образами. Советский музыкальный театр складывался как многонациональный. Крупнейший вклад в советскую оперу внес С. С. Прокофьев. Можно сказать, что само мышление этого композитора было по существу театральным. Удивительная яркость, образность делают его музыку как бы «зримой». Композитора привлекают события гражданской и Великой Отечественной войн («Семен Котко», «Повесть о настоящем человеке»), сюжеты из русской литературы («Игрок», «Огненный ангел», «Война и мир»), веселая сказка К. Гоцци («Любовь к трем апельсинам»), классическая комедия Р. Шеридана («Обручение в монастыре»). Другой классик советской музыки — Д. Д. Шостакович обращался к музыкальному театру, главным образом, в начале творческого пути. В опере «Нос» молодой композитор применяет остросовременные выразительные средства, оказавшиеся чрезвычайно близкими гоголевской сатире и гротеску. Опера «Леди Макбет Мценского уезда» (в новой редакции «Катерина Измайлова») по Н. С. Лескову более полно раскрыла многогранный талант Шостаковича.

В сокровищницу советской оперы вошли замечательные образцы национальной классики: «Даиси» З. П. Палиашвили, «Алмаст» А. А. Спендиарова, «Кёр-оглы» У. Гаджибекова.

Советские композиторы воплотили в опере темы революционной борьбы («Мать» Т. Н. Хренникова), события гражданской,и Великой Отечественной войн (его же «В бурю», «Тихий Дон» И. И. Дзержинского, «Семья Тараса» Д. Б. Кабалевского, «Зори здесь тихие» К. В. Молчанова). Привлекает их и история («Декабристы» Ю. А. Шапорина, «Петр Первый» А. П. Петрова), русская классическая литература («Мертвые души» Р. К. Щедрина). На сюжет французского писателя Р. Роллана Д. Б. Кабалевский пишет оперу «Кола Брюньон». В жанре рок-оперы работает А. Л. Рыбников («Звезда и смерть Хоакина Мурьеты» по П. Неруде, «„Юнона" и „Авось"» по А. А. Вознесенскому).

Интересными работами в жанре оперного искусства известны композиторы Р. М. Глиэр, В. Я. Шебалин, В. И. Мурадели, А. Н. Холминов, С. И. Слонимский, О. В. Тактакишвили, Э. А. Капп, Н. Г. Жиганов, М. Т. Тулебаев и другие.

Большой вклад в развитие советского оперного театра внесли певцы А. В. Нежданова, Н. А. Обухова, М. Д. Михайлов, А. С. Пирогов, С. Я. Лемешев, И. С. Козловский, Г. М. Нэлепп, И. К. Архипова, Е. В. Образцова, Е. Е. Нестеренко; дирижеры А. Ш. Мелик-Пашаев, А. В. Гаук, Ю. Х. Темирканов. Постановкой опер занимались не только «чисто оперные» режиссеры (такие, как Б. А. Покровский), но и /С С. Станиславский, Вл. И. Немирович-Данченко (один из музыкальных театров Москвы носит их имя), В. Э. Мейерхольд.

По инициативе Н. И. Сац был открыт Детский музыкальный театр, приобщающий самых юных зрителей к непрестанно обновляющемуся искусству оперы.