Восточный театр

Материал из Юнциклопедии
Перейти к: навигация, поиск

Неповторимо и своеобразно традиционное искусство восточного театра — Индии, Шри‑Ланки, Непала, стран Дальневосточного региона (Китай, Корея, Монголия, Япония), Юго‑Восточной Азии (Бирма, Вьетнам, Индонезия, Кампучия, Лаос и др.). Это искусство создавалось в течение многих сотен лет непрерывного развития в строгих рамках классических национальных традиций.

Герои «Махабхараты» — Кришна и Арджуна в индийской классической танцевальной драме катхакали.
Сцена из пекинской оперы. Китай.
Сцена из спектакля японского театра Кабуки.
Национальный балет Кампучии.

Почти всеми своими элементами восточный традиционный театр отличен от европейского: у него совершенно особые законы драматургического построения пьесы и художественного оформления театрального представления, очень своеобразные актерская игра, костюмы и грим, решение сценического пространства (отсутствие декораций).

Своеобразие восточного театра во многом определяется характером мифологии, религии и философии стран Востока, особой ролью театрализованных представлений в традиционном обществе Индии, Китая, Японии.

Так, в мифологии Древней Индии бог Шива в танце творит мир, а в японском мифе богиню солнца Аматерасу вызволяют из темной пещеры, привлекая веселыми плясками и песнями. В религиозно-философском учении Древнего Китая — конфуцианстве — огромное значение придавалось театрально-обрядовой стороне (ли) в жизни общества, и в ней строго регламентированы костюмы и характер движений. Буддийское учение о перерождении, об иллюзорности человеческого «я», которое ежеминутно меняется, переходя в нечто другое, пребывает в бесконечном потоке бытия, повлияло на восприятие жизни на Востоке как своего рода театра масок, которые человек словно меняет вслед за изменениями своего «я».

Время в восточной культурной традиции воспринималось неоднородно: особые, сакрализованные дни осознавались как благоприятные, им придавалось огромное значение; считалось, что театрально-карнавальное празднество в эти дни способствует благоденствию общества в целом.

Одно из самых древних — театральное искусство Индии, оно оказало большое влияние и на развитие театра в странах Юго‑Восточной Азии.

Народные танцы, пантомимы включались в обряд поклонения богам еще во II тысячелетии до н. э., на ранней стадии формирования индийской религии — индуизма. В эпосе «Махабхарата» (I тысячелетие) есть упоминания об актерах и танцорах, участвовавших в представлениях. Эти народные театрализованные представления, которые сохранились до наших дней, легли в основу классического театра, сложившегося в Индии в середине I тысячелетия до н. э.

В V–I вв. до н. э., как сообщают древние тексты, в Индии бродячие актеры разыгрывали небольшие сценки на мифологические сюжеты, чередовавшиеся с акробатическими номерами и танцами.

Музыкально-танцевальная драма — лила получила распространение в Северной Индии. «Пилы строились на основе текстов из «Махабхараты» и «Рамаяны» (древнеиндийская эпическая поэма, II в. н. э.) и представляли собой грандиозные представления, которые длились иногда целый месяц. Декорации отсутствовали, торжественность и праздничную красочность этим спектаклям придавали яркие костюмы и маски.

На юге Индии сложилась другая форма театрального представления — якшагана, в которой объединены диалог и танец, декламация и пение.

В трактате «Натьяшастра» — первом дошедшем до нас специальном сочинении о сценическом искусстве (V в.) дается описание художественных средств, используемых актерами классического театра. Это прежде всего тонко разработанная система жестов и мимики, в которой особое значение имели различные положения пальцев (мудра), выражавшие сложные понятия и чувства. Индийские актеры жестами и положениями пальцев создают также образы гор и рек, звездного неба, распустившегося лотоса. Актерская игра строго канонизирована на основе учения об эмоциях (раса) и их сценическом воплощении (бхава). Каждой расе соответствуют определенные сюжеты и театральные представления. Каждый из персонажей имеет свой, особый грим, костюм, свою манеру говорить, характер жестов и даже походку.

Расцвет индийского классического театра приходится на первую половину I тысячелетия н. э. Именно к этому периоду относится творчество поэта и драматурга Калидасы (приблизительно V в.). В своих драмах он использовал фольклорные и эпические сюжеты, одна из наиболее известных его драм — «Узнанная по кольцу Шакунтала».

В последующие столетия в Индии ведущую роль играют различные формы народного театра. В период правления мусульманской династии (XII–XIV вв.) возникло широкое общественное движение — бхагти, отвергавшее деление общества на касты и утверждавшее равенство людей, которое оказало сильное влияние на народный театр. Появляются новые трактовки традиционных образов: например, Кришна и Рама предстают в спектаклях как защитники равенства и человеческого достоинства.

Театральное искусство Шри‑Ланки (до 1972 г. — Цейлон) целиком связано с буддийской обрядностью. Истоки этого искусства — в народных играх и культовых церемониях, из которых возникли различные виды театрализованных представлений — мистерий (см. Средневековый театр). Они представляли собой сочетание танца и пантомимы, сопровождавшееся декламацией и пением. На Цейлоне сложилось несколько видов народного театра: представления в масках, комедийный театр, сокари, музыкально-танцевальная драма — надагам, в которой театрализованы различные эпизоды из жизни Будды.

Основной формой театрального искусства в Непале являются народные представления — нритья. Это по сути дела цикл танцев, имеющих символический смысл. Танцы исполняются в музыкальном и хоровом сопровождении, драматическое действие почти отсутствует. К началу XVII в. было создано несколько классических танцевальных сюит — «Махакали», «Махалакшми», построенных на мифологических сюжетах из «Махабхараты» и «Рамаяны». Условно-символический характер носит не только сам танец, но и художественное решение сценического пространства: так, если действие происходит у реки, то на площадке расстилают полосу материи; если оно происходит в комнате, «стены» её обозначают ветками; храм изображают с помощью поставленных на площадке статуй богов.

Как и в других странах Востока, театральные представления в Бирме служат составной частью религиозных и народных праздников. Упоминания о них встречаются в текстах II в. Это пантомимы, песенно-танцевальные интермедии, карнавальные шествия. Лишь к XV в. складывается устойчивая театральная форма нибаткинг — род мистерии со сказочным сюжетом, который нередко заимствовался из буддийских священных книг. Эти мистерии исполнялись бродячими актерами на площадке без декораций. В придворном театре, появившемся в XVIII в., пьесы ставились на древних языках — пали или санскрите, понятных только образованной части общества. Ни занавеса, ни декораций не было, но костюмы актеров — из дорогих тканей, яркой расцветки, богато орнаментированные — поражали своим великолепием. Актеры в основном играли без масок; в масках исполнялись лишь роли духов и колдунов. Сюжеты для спектаклей заимствовались главным образом из «Рамаяны».

Во Вьетнаме музыкально-драматические представления — туонг, возникшие на севере страны в XI в., были основаны на сюжетах из вьетнамской мифологии и китайских исторических сочинений. Постоянные компоненты этих спектаклей — танцы, пение, декламация и музыкальное сопровождение при отсутствии декораций. Наряду с театром туонг во Вьетнаме большой популярностью пользуется народный театр тео, сочетающий пение, музыку и танец.

Театральные представления в Индонезии издавна были составной частью культовых обрядов, народных праздников и семейных торжеств. Эти представления строятся обычно на основе текстов из «Махабхараты» и «Рамаяны».

Традиционный индонезийский театр имеет несколько видов: театр теней, театр объемных кукол, театр масок, театр сменяющихся рисованных картинок, а также театр живого актера (ваянг‑оранг). Возникли эти театральные формы из культовых обрядов вызова духов, теней предков и богов. Театрализованные представления продолжаются целую ночь или несколько ночей подряд. Во время представления делаются антракты, которые заполняются шуточными интермедиями.

Первые упоминания о театре теней дают письменные источники II в. Теневые фигурки — действующие лица этого театра — вырезаются из тонкой буйволовой кожи, ярко раскрашиваются и укрепляются в расщепленных роговых или деревянных ножках. Сцена — это экран из светлого полотна; фигурки помещаются между источником света и экраном и отбрасывают на экран тень. Ведущий — даланг передвигает фигурки за ножки и управляет движением их рук при помощи палочек, прикрепленных к кистям.

Театр сменяющихся рисованных картинок (ваянг‑бебер) близок к театру теней. В основе его также лежат тексты из «Махабхараты» и индонезийские мифы.

Представление состоит из рассказа ведущего (даланга), иллюстрируемого картинами, нарисованными на свитках (ширина свитка — 50–70 см, длина — несколько метров). На свитке помещается 6–7 картин, для одного спектакля используют обычно 5–8, а иногда и 10 свитков.

Индонезийский театр масок — это разновидность пантомимы. Содержание пьесы излагает ведущий речитативом или в песенной форме, а актеры держат перед лицами маски. Нередко маска заменяется гримом.

Из театра масок развилась театральная форма ваянг‑оранг — театр живого человека. Репертуар в нем такой же, как и в других театральных представлениях; труппу составляют только мужчины. Особой известностью пользуется театр арджа, сложившийся на острове Бали.

Традиционный театр Кампучии существует в трех основных формах: королевский балет, театр‑танец и народный танец. Танец — основа кампучийского театрального искусства. Искусство танца всегда считалось священным. В храмах сохранились рельефы с изображениями танцовщиц в виде небесных дев.

Королевский балет как особая художественная форма сложился в XV в. Исполнителями тогда были преимущественно представители народности таи. И сейчас хор, сопровождающий танцевальный спектакль, исполняет текст на тайском языке, актеры выступают в тайских национальных костюмах. Сюжеты для балета заимствуются из народных сказок, а также из «Рамаяны». Самым популярным было балетное представление по сказке о принце Преах Санг, который пожертвовал своей красотой ради бедных и обездоленных и превратился в безобразного духа Нгос.

Кампучийские танцы строятся по строгому канону. В каждом жесте актера содержится определенный символический смысл. Например, торжество победы выражает открытая ладонь, четыре пальца, прижатые друг к другу, и согнутый большой палец, касающийся основания указательного пальца. В танце исполнитель сохраняет прямой корпус, слегка откинутый назад, голову держит неподвижно, ноги у него согнуты, колени широко разведены, ступни вывернуты наружу, пальцы ног изогнуты вверх, рука резко согнута в локте, и кисть повернута под прямым углом ладонью к руке. Такова исходная поза. Строгим правилам подчинены и сценические движения: длина шага двигающегося танцора определяется длиной ступни.

Основные роли в балете исполняют женщины; мужчины в масках изображают богов, демонов и зверей. Костюмы актеров отличаются яркостью и богатством узоров. Танцовщицы сильно гримируют лицо белилами, ярким кармином красят рот, черной краской подводят брови.

Кампучийский театр кукол в целом сходен с индонезийским, но имеет и свои особенности. Представления этого театра обычно даются в буддийских монастырях и храмах. Фигурки кукол изготовляются из оленьей кожи, подвергнутой специальной обработке, после которой они становятся прозрачными. Затем их красят в красный или зеленый цвет, чтобы они отбрасывали на экран цветные тени. Фигурки закрепляют на двух высоких шестах.

Народный театр в Кампучии существует в очень простой и доступной форме: спектакли разыгрываются бродячими актерами без специальных костюмов и декораций — обычно двумя исполнителями. Их остроумные диалоги построены на импровизации.

Итак, театральное искусство Индии, Шри‑Ланки, Непала и стран Юго‑Восточной Азии имеет в основном одну драматургическую основу — инсценировку эпизодов из древнего эпоса и буддийских текстов. Действие в этих пьесах слабо развито, сюжет чаще всего излагается ведущим или поется хором, а на сценической площадке без декораций актеры, облаченные в яркие костюмы, в гриме или масках, используя канонические приемы игры — позы, жесты, положения пальцев в танце или в ритмизированном движении, как бы иллюстрируют текст пьесы. Спектакль обычно длится несколько дней и всегда имеет музыкальное сопровождение.

Все перечисленные свойства театрального представления присутствуют и в театральном искусстве стран Дальнего Востока, однако драматургия, сценическое пространство, костюмы, грим и музыкальное сопровождение в театре Китая, Кореи, Монголии, Японии имеют свои, только им присущие черты.

Становление театра в Китае обычно относят к XII в., но уже в древности во время семейных торжеств устраивались представления байси (в переводе с китайского — буквально «сто представлений»). Байси включали акробатику, фехтование, хождение по канату, танец с громадными макетами животных. В период правления династии Тан (VII–X вв.) получают широкое распространение танцевальные представления на исторические темы, например «танец мечей»; в них вкрапливаются небольшие пьески, построенные на диалоге, складываются амплуа актеров (см. Маски и амплуа), появляются реквизит, специальные театральные костюмы. Танец дополняет пение, возрастает роль музыкального сопровождения. При дворе императора Сюань‑цзуна были созданы специальные школы актерского мастерства — «Двор весны» и «Грушевый сад».

Подлинной зрелости китайский традиционный театр достиг в XIII–XIV вв. в форме цзацзюй (буквальный перевод: «смешанные представления»). Эти синтетические представления строились на сочетании речевых и вокальных партий, музыки, танца и акробатики. Наиболее важные сцены разыгрывались в замедленном темпе, с многочисленными мелкими подробностями, второстепенные эпизоды давались как яркие, динамичные вставки-интермедии. Спектакли ставились на пустой сцене, без декораций, и это определяло некоторые другие их художественные особенности: актеры рассказывали зрителям о времени и месте действия, сами давали себе характеристики как действующим лицам пьесы.

В течение последующих столетий сложились различные театральные формы цзацзюй, но особенно выделялся Пекинский театр цзинси. Особенности китайского театра — игра актеров с воображаемыми предметами, аллегорическое использование реквизита. Например, стол в зависимости от заданной сценической обстановки может изображать гору, алтарь, наблюдательную площадку; черные флажки означают ветер, красные — огонь.

Игра актеров далека от бытового правдоподобия, она строится на канонизированных условных приемах — стилизованных движениях и жестах. В гриме и костюмах широко используется символика цвета: красный цвет — признак смелости, белый — подлости, желтый — цвет императора. Элементы символики заключены и в орнаментах одежды, и в узоре грима.

Устойчива схема амплуа в китайском классическом театре, все персонажи делятся на четыре группы (внутри которых есть и более частные подразделения): шэн — это положительные мужские роли, среди них вэнь — штатские, у — военные; дань — женские роли, цзинь (или хуалянь) — характерные роли и чоу — комические. Для каждого амплуа разработан сложный комплекс изобразительных приемов. Актерами могли быть только мужчины. Самым знаменитым исполнителем женских ролей был Мэй Ланьфан (1894–1961), который играл добрых, сильных духом и самоотверженных женщин. Он создавал образы, поражающие женским изяществом, особой пластичностью движений.

Китайский театр оказал влияние на развитие традиционного театрального искусства других стран Востока.

Развитие театрального искусства в Корее связано с искусством сказителей, танцевальными представлениями в масках и народным кукольным театром, главным героем которого был корейский Петрушка — Пак Чхом Чжи. В период позднего средневековья в Корее возник разговорный театр хвагык.

В Монголии представления мистерий в театре цам строились на основе буддийских сюжетов. Цам — это сложный ансамбль, включающий искусство сказителей, певцов и танцоров, его классическая форма сложилась в XVII в.

Особое место в многообразном ансамбле театров стран Востока занимает театральное искусство Японии с его самобытными художественными традициями.

Театральные представления в форме гагаку были введены в ритуал буддийского богослужения в XII в. Гагаку представляет собой сложный ансамбль — шествие танцоров в масках (призванное разгонять злых духов), музыкантов с флейтами, литаврами и медными тарелками, за ними следует юноша, ведущий на поводу «льва» (в этой роли выступает один из актеров). В X–XI вв. ведущей формой театрализованных представлений становятся бугаку, для которых характерны яркие костюмы, устрашающие маски, музыкальное сопровождение на огромных (до 3 м высотой) барабанах.

На основе песен и танцев сельских районов страны к концу IV в. складывается театр Но. Представление в нем строится как пантомима. На сцене, лишенной декораций, установлены лишь расписной задник с изображением сосны на золотистом фоне и соответствующая сезону композиция икэбаны (цветов, веток, камней и пр.), которая украшает сцену. Основные действия спектакля идут в медленном и торжественном темпе, между ними вкраплены бурные и стремительные интермедии. Актеры играют в масках и париках, особой пышностью отличаются костюмы. Реквизит и бутафория символически обыгрываются. Гортанное пение и манерная декламация отличают игру актеров в этом театре. Пьесы театра Но основаны преимущественно на японской классической литературе, народных и буддийских легендах.

В XVII в. возникли еще две яркие формы японского театра: кукольный театр дзерури, который исполняется кукловодами и сказителями в музыкальном сопровождении на национальном струнном инструменте сямисэне, и театр Кабуки. Истоками Кабуки стали представления танцоров и комедиантов. Слово «кабуки» означает «отклоняться». Новая форма театрального представления получила такое название, поскольку сильно отличалась от других зрелищ в Японии. Сами здания театров Кабуки представляют собой сложные сооружения. Сцена этого театра хотя традиционно и лишена декораций, но имеет много различных технических приспособлений: специальных дверей, дорожек для выходов актеров на сцену. Актеры Кабуки играют в сложном гриме, в великолепных, красочных костюмах. Их сценические движения, жесты, голос в пении и декламации определены строгими каноническими законами. В театре Кабуки ставят старые классические пьесы, в которых повествуется о жизни знати средневековой Японии. Как и в театре Но, все роли здесь исполняют мужчины. В истории японского театра Кабуки несколько актеров прославились своим искусством исполнения женских ролей.

Театральное искусство стран Востока, насчитывающее более двух тысяч лет развития, помимо уже названных особенностей имеет еще одну, пожалуй самую удивительную: оно не стало историей, а продолжает жить как театр наших дней, оказывает влияние на мировое искусство театра.